Javier Heraud ha sido reconocido en París. La película sobre su vida fue elegida como la mejor en el XII Festival de Cine Peruano de la ciudad francesa. “Le Soleil Tournant” es el premio que cada año reciben las mejores producciones peruanas y que en su momento cintas como Wiñaypacha, El Limpiador y Viaje a Tombuctú obtuvieron. 

Conseguir el galardón peruano en tierras francesas le concede a La pasión de Javier un apoyo importante. Quizás el que no tuvo en su estreno. Además permite traer a la memoria la corta vida del escritor y más aún reflexionar sobre personajes como este que han sido antisistema. Ponerlo en valor también es reconocer el riesgo que tomó su director Eduardo Guillot al retratar al poeta guerrillero.

La historia que relata esta película está comprendida dentro de los últimos años de vida del poeta Javier Heraud. Desde su ingreso a la Universidad de San Marcos, su viaje a París, pasando por su estadía en Cuba y finalmente el desenlace que todos conocen en Madre de Dios. 

La producción tomó en cuenta las décadas de los 50’s y 60’s, a la hora de ambientar los diversos lugares de la filmación y al margen de un par de errores mínimos que se puedan advertir; este es un aspecto muy destacado. Como también el hecho de haber grabado en diferentes locaciones dándole un aire muy verosímil a la narración. En la propuesta visual es evidente que hay un ojo tras la cámara con experiencia que sabe dónde colocarse y generar la atmósfera adecuada. 

La pasión de Javier es una película idealista, probablemente bajo la misma perspectiva de su personaje real. Así como Javier Heraud arriesgó su propia vida con la idea de conseguir una sociedad más justa. Guillot puso en el écran a un personaje que pudo haber generado las reacciones más iracundas de rechazo y asumió ese reto. 

Este proyecto, que para su director ha sido completamente personal; demoró diez años para convertirse en realidad. Contó con el financiamiento de la Dafo, Ibermedia y algunos productores independientes. Dijo Guillot que Heraud fue un romántico mientras él se emocionaba hasta las lágrimas en su estreno. 

Por otro lado, Stefano Tosso, el protagonista, ha recibido diversos comentarios con respecto a su actuación. Pareciera que la crítica no se ha puesto de acuerdo sobre la caracterización que hizo del poeta limeño. Más bien, es en el reciente festival francés donde los calificativos positivos han sido mayoritarios. Este es sin duda, el mejor trabajo hasta el momento, del hijo del desaparecido cómico Ricky Tosso.

Una tarea pendiente para el director también de Caiga quien caiga podría ser la homogeneidad en su dirección actoral. Por un lado están actores como Lucho Cáceres, quien encarna al padre de Heraud y que destaca por su naturalidad. Al igual que Tommy Parraga que recientemente también se lució en la película Canción sin nombre y que se muestra convincente en su rol una vez más de guerrillero. Mario Vargas Llosa en la piel de Sebastián Monteghirfo y Oscar Meza por su lado como Razzetto. Frente a otros personajes que no resultan tan convincentes, pero que son actores que han dado la talla en otras producciones. 

Este largometraje también es una oportunidad para ver uno de los últimos trabajos de la recordada actriz Sofia Rocha en el papel de la madre del escritor. Actualmente la cinta se puede apreciar en una conocida plataforma de telefonía digital.

La industria cinematográfica sigue luchando por mantenerse en medio de esta pandemia. Las restricciones que aún existen para la apertura de las salas de exhibición es uno de los motivos de esta incertidumbre. Esta situación es más compleja aún para el cine de autor que no siempre puede acceder a las plataformas de streaming. Sin embargo, hace ya dos años se estrenó en Perú  La pasión de Javier y su recorrido por festivales internacionales continúa. Un logro más frente a la coyuntura actual y una posibilidad hoy para revisar la historia. 

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Eduardo Guillot, Javier Heraud, La pasión de Javier

Cruella de Vil está de vuelta, la villana de los 101 Dálmatas ha regresado a la pantalla grande  en una versión live action dirigida por Craig Gillespie. El mismo realizador de la celebrada película  Yo, Tonya. Esta nueva versión resulta ser una precuela que da forma al malévolo  personaje de Disney inspirado en la novela de Dodie Smith escrita en 1956. 

La esperada cinta tuvo que posponer su estreno a finales del año pasado debido a la pandemia y hoy finalmente se presenta en la plataforma de Disney. Compañía que apuesta por la estrategia segura de reeditar sus clásicos films. Emma Stone interpreta a la joven Cruella y Emma Thompson a la Baronesa Von Hellman en los roles principales. Ambas actrices además asumieron la producción ejecutiva de este film. 

Esta es una película que gira en torno a la moda y deleita también por esa razón. Con diseños originales de alta costura y una elaborada producción artística, en donde cada detalle está orientado a impresionar. Lo que evoca a la película  El Diablo se viste a la moda y al personaje de Miranda, interpretado por Meryl Streep en paralelo también con el de la Baronesa en el reciente film. Grandes aciertos de esta producción. 

La historia nos cuenta el origen del personaje de blanca y negra cabellera desde su infancia.  Desde la propia narrativa, incluso con la voz en off, que resulta innecesaria, se van sucediendo una serie de incoherencias en la historia que reducen la atención que por otro lado logra su puesta en escena. Descuido que no se repite en sus créditos finales y en la oportuna selección de la banda sonora. 

Call me Cruella es el tema musical a cargo de la banda indie Florence and The Machine, que  no solo recoge la esencia oscura de este personaje, sino que resulta ser una verdadera joya. Su productor musical Nicholas Britell (conocido por la película Whiplash) intentó abarcar la estética rock de los 60s y 70s en Londres, grabando todo con equipo vintage y cinta analógica nada más que en los conocidos estudios de Abbey Road y Air Studios. Tema que mantiene un compás de sincronía con el proceso de transformación de Cruella hasta llegar a un notable éxtasis musical con el despertar de su locura. Acompañan canciones como Bloody well right de Supertramp o Feeling good de Nina Simone, entre otras más de la época. Elemento que adquiere especial importancia al intentar retratar el origen cultural del movimiento punk en Inglaterra. 

La pantalla grande y hoy quizás el monitor, han retratado diversas versiones de Cruella de Vil, desde la animada en 1961, pasando por el primer live action con la inolvidable interpretación de Glenn Close y las apariciones televisivas en series como Once upon a time o la película para televisión Descendientes. En todas ellas la esencia de su maldad radica en la obsesión de poseer abrigos con piel animal, en especial de los dálmatas. Si bien es cierto nunca antes existió una explicación por ese comportamiento, se podía suponer que era parte de un evidente desequilibrio. Sin embargo, la Cruella de Emma Stone intenta dar una motivación ante ello y esa misma premisa es la que cambia por completo la esencia del personaje.  

Esta versión que permite reconocer una serie de elementos de sus películas originales, no es consecuente con la perversidad de su personaje. Dibuja una suerte de redención en pleno siglo XXI con la intención de justificar el comportamiento de uno de los iconos más populares de la compañía cinematográfica de Disney. Quitando la propia esencia del personaje caricaturesco.  

Lo que termina por presentar una actuación irregular por parte de Emma Stone, a pesar de algunos momentos brillantes en los monólogos frente a la pileta. La otra Emma, más bien, encarna la potencia maligna de personajes tan icónicos como Meryl Streep en el Diablo viste a la moda o la misma Glenn Close en la versión de los 90s. La Baronesa Von Hellman captura esa atención como predecesora de lo que será en el futuro Cruella de Vil. 

El cuidado extremo de los detalles en la presentación de la villana de los 101 dálmatas, no equivale al de sus hilos narrativos. Lo que podría haberse convertido en una película de culto, por ser una versión femenina de la oscuridad, termina en las capas de la superficialidad. 

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101 Dálmatas, Cruella, Emma Stone

“Todos somos el agente topo”, fue el popular hashtag que usaron las redes debido a la presencia de un film chileno en los premios Oscar. El Agente Topo se ha convertido en una popular cinta que ha estado entre las 10 más vistas en latinoamérica por la plataforma de Netflix y sin ser precisamente una historia ficticia, sino más bien un documental. Sergio Chamy, su protagonista, viajó por primera vez en avión a sus 87 años para desfilar en la alfombra roja.

Este film no participó en la categoría de película extranjera, sino en la de mejor documental. Tampoco se llevó alguna estatuilla a casa, pero ha conseguido poner en vigencia el género documental tantas veces antes reconocido en el cine chileno. Sumado a eso y tal vez  lo más importante, ha logrado acercarnos a un grupo humano distinto, permitiendo escuchar a los adultos mayores, sobre todo aquellos que viven aislados del mundo, bajo la indiferencia familiar y social . Quienes enfrentan la realidad de asumir su edad en una sociedad que no los representa. 

Para Maite Alberdi, la directora, era indispensable contar de manera singular esta historia y conseguir así la atención del público. Por eso con la utilización de una narrativa ligera y divertida, Sergio Chamy, su protagonista asume un rol detectivesco con una misión encomendada, pero lo que descubre es más bien una realidad dolorosa que lo termina también afectando. En cuanto a las formas del relato es inevitable no hacer un paralelo entre las cartas de Pantaleon Pantoja (Pantaleón y las visitadoras obra de Mario Vargas Llosa llevada al cine por Francisco Lombardi) y los informes que Don Sergio entrega diariamente de manera ordenada,extensa, formal y que terminan siendo hilarantes.

Sin duda es un documental con tintes de ficción, que juega de manera divertida al espía  y que utiliza ese pretexto para dar voz a quienes no la tienen, sumándose a la tendencia de visibilizar a uno de los grupos humanos que la sociedad ha relegado desde hace mucho. Esta realidad que viven muchos ancianos está relacionada con la tasa más alta de suicidios en Chile que corresponde a la población por encima de los ochenta años. 

En otra parte del mundo, Dinamarca celebró el premio Oscar a mejor película extranjera por Otra ronda de Thomas Vinterberg. El cofundador de Dogma 95, cuya inquietud ha sido producir un cine de manufactura sencilla, apostando por la autenticidad y contrario a las grandes producciones hollywoodenses, obtuvo reconocimiento gracias a la historia de un grupo de amigos de mediana edad que experimenta con el alcohol en aras de disfrutar mejor de la vida.

Otra ronda  si apuesta por un figura conocida como Mads Mikkelsen, al que hemos visto en La cacería, Casino Royale, Hannibal, Rogue One, entre otras. Mads interpreta a Martin en esta historia de amistad y alcohol que logra escenas imborrables hacia el final de la película. Convirtiendo la letargia de sus personajes en una celebración a la misma existencia. Importante recordar que la idea inicial de este film fue de la propia hija de Thomas Vinterberg, quien falleció en medio del rodaje y a la que el director dedica esta producción. Situación que puso en riesgo la continuidad del rodaje pero que finalmente le atribuyó un carácter más profundo y dramático de lo que se pensaba en un inicio. 

Ambas realizaciones han estado marcadas por  la muerte de manera real, en las dos películas los protagonistas experimentan transformaciones importantes, el agente Topo nunca será el mismo después de su experiencia en el asilo, del mismo modo que Martin al recuperar el entusiasmo y obtener el reconocimiento de su entorno. Es posible que la proyección de estas historias haya calado de manera singular en quienes vieron esta cuota extranjera de nominaciones a los premios Oscar. Reflejo de una sociedad diversa que se enfrenta cotidianamente con la muerte debido a la pandemia y que precisa reflexionar sobre su existencia y la manera en cómo asume la vida. 

Quizás la exposición de películas como El agente Topo no hubiera sido posible sin la ampliación de los miembros de la academia. Luego de las críticas recibidas  en el 2016 por la hegemonía de hombres blancos en sus nominaciones. La academia de artes y ciencias cinematográficas de Hollywood intenta marcar una nueva tendencia, la tendencia de la inclusión. Por ese motivo en el 2020 ingresaron 819 miembros de todo el mundo, como por ejemplo Yalitza Aparicio (protagonista de la oscarizada película Roma) de los que el 45% son mujeres gracias a la búsqueda por la paridad. 

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Agente Topo, Netflix, premios Oscar

Una mujer chino estadounidense salió con las manos llenas en la última edición de los premios Oscar. Su nombre es Chloe Zhao, primera realizadora asiática y segunda mujer en llevarse la estatuilla a la mejor dirección por el film Nomandland. Sin maquillaje, en unas cómodas zapatillas blancas y con dos simples trenzas como peinado se acercó al estrado a recibir los galardones, lejana al glamour que acostumbra la gala hollywoodense. 

La directora pertenece a esa comunidad también de realizadores minimalistas, conectados con la humanidad y bondad que ella insiste en defender. Nació en China, se crió en Brighton, Inglaterra y estudió la carrera de ciencias políticas y cine en EE.UU donde obtuvo su nacionalidad, aún así evita discursos políticos. 

Su película Nomandland cuenta el viaje de Fern (Frances McDormand) luego de haberlo perdido todo. La travesía va desde Empire, Nevada a lo largo de los Estados Unidos en una casa rodante. Con una propuesta visual que pasa de los grandes paisajes naturales a planos cerrados e intimistas de sus protagonistas trascendiendo el orden geográfico, pero sobre todo el orden en las formas de vida habituales y establecidas. 

Chloe es sinónimo de sencillez, a pesar de esto, llevar el libro de Jessica Bruder a la pantalla no resultó ser una experiencia simple. Necesitaron cinco meses para grabar, de los dos que normalmente se habitúan, se hizo en 5 diferentes Estados del país del norte, esperando en cada uno de ellos por el clima adecuado para filmar, aún así el resultado de toda esta espera ha sido aplaudido en el mundo. Este film ha conseguido tres Oscar de la Academia: mejor película del año, mejor dirección, mejor actriz principal y un sinfín de reconocimientos en diversos festivales y premiaciones de los que destacan el Globo de Oro, El León de Oro en Venecia, El Bafta de Londres y así la lista continúa. 

Esta galardonada cinta del 2021 basada en el libro Nomandland, sobreviviendo en Estados Unidos en el siglo XXI fue adaptada al guión e incluso editada por la misma Zhao, poniendo bajo su lente a la comunidad de nómadas de los Estados Unidos desde un punto de vista diferente y más cercano, contando además con personajes reales como el youtuber Bob Wells, Linda May y Charlene Swankie, conocidos por llevar esta forma de vida itinerante y haciendo de ellos mismos.  

Mientras gran parte del mundo aún se debate en la crisis generada por el coronavirus, el viaje de Fern, personaje principal del film, representa un canto a la libertad, no solo de manera literal, sino de la apuesta que significa una forma de vida diferente, al margen de los créditos inmobiliarios en el país que hoy preside Biden y que ya experimentó en el 2008 una situación similar por la burbuja inmobiliaria, experiencia que también es un referente en esta historia. Los miles de ciudadanos que hoy se suman a esta forma de vida porque también lo han perdido todo, se resisten a continuar las reglas de juego que una sociedad consumista que los ha ido esclavizando, tema que subyace pero evitando los discursos y compromisos políticos. 

En un mundo hoy virtualizado, Chloe Zhao nos ha presentado en la pantalla esta comunidad de personas que andan en sus vehículos, se vinculan entre ellos, se alejan y se reencuentran siempre en el camino. Quizás para huir de todo o encontrarse a sí mismas, con grandes paisajes naturales como marco de esta reflexión interna que también es la reflexión de nuestra relación con el mundo, como personas y como especie. 

A Chloe Zhao le gusta asumir el control de sus películas, como lo ha hecho ya en las tres que ha realizado, desde la escritura, dirección y edición. Hoy de la mano de Marvel, se prepara para el estreno de lo que será su cinta más comercial con Angelina Jolie como protagonista, Eternals.  

No es nueva, ni tan experimentada tampoco, pero desde la sencillez y autenticidad que proyecta el mundo le ha sido amigable.

 

 

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