«A los lectores: Pueden acceder al video de cada canción o artista mencionados en los artículos para verlos en YouTube»

[Música Maestro] Roger Waters, el músico, el activista político, el cerebro detrás de los ásperos cuestionamientos socioemocionales de Pink Floyd, cumplió 83 años el pasado 6 de septiembre. Como es público y notorio, el compositor británico es, de lejos, la estrella de rock que critica con mayor dureza al capitalismo, a la derecha neoliberal generadora de abusos y defiende, a veces con sólidos argumentos y otras, con fuertes dosis de confusión -como ocurrió en el caso de Pedro Castillo-, las causas que su corazón y su intelecto identifican como justas.

Lejos de la diplomacia de Bono, la cortesía de Brian Eno o el nacionalismo de Bruce Springsteen, lo suyo es directo y sin filtros. El despliegue audiovisual de sus más recientes giras mundiales consolidó su perfil artístico orientado a criticar profundamente los sistemas políticos y sociales establecidos por el orden mundial de posguerra, usando agudas ironías o referencias literarias, psicológicas e históricas en los álbumes del grupo que lideró entre 1966 y 1983.

Con respecto al genocidio en Gaza, su postura ofrece respuestas viscerales que no dejan lugar a eufemismos. La rabia que exuda cuando habla de Benjamin Netanyahu, Donald Trump, Javier Milei y afines es, a estas alturas, legendaria -como la vez que publicó un video en que, después de pronunciar cada uno de esos apellidos, lanzaba un denso y sonoro escupitajo en señal de absoluto desprecio. Sin embargo, también hay espacio para la ternura en esa lucha feroz por defender los derechos humanos de las poblaciones palestinas arrasadas por la locura sionista, como demuestra su más reciente grabación.

La (no tan) nueva canción de Roger Waters

Comfortably numb re-imagined es, como dice su título, la reimaginación de uno de los temas centrales de The wall (1979), icónico álbum doble de Pink Floyd concebido desde la mente de Roger Waters para procesar sus traumas personales y convertirlos en un afilado análisis sobre la despersonalización y las oscuridades emocionales a las que el ser humano queda sometido por una mala educación -familiar, social, escolar- cargada de prejuicios e hipocresías. Con letra modificada, la canción se convierte en un sensible lamento de dolor frente al genocidio que padece Palestina. De dolor, pero también de esperanza.

Acompañado por la cantante palestina Mona Miari y un coro de once vocalistas (nueve mujeres, dos hombres), Roger Waters envía un mensaje que busca remover al público para sacarlo de esa apatía, esa deshumanizada indiferencia frente a uno de los hechos más violentos y crueles de la actualidad. Acompañan a los cantantes el percusionista palestino Alber Baseel y el flautista norteamericano Gideon Forbes, quien hace sonar el nay, un instrumento de viento ancestral muy usado en el folklore de Asia Menor y el norte del África.

En el 2022, Waters ya había actualizado Comfortably numb con un video que usaba al inicio de cada concierto de su más reciente gira, This is not a drill, una alegoría del ser humano moderno que vive anestesiado por la tecnología, incapaz de comunicarse con sus semejantes. Pero esta nueva relectura posee una carga simbólica aun mayor. Como dice la web https://www.comfortablynumbreimagined.com/ “los nuevos arreglos y melodías escritas por Waters y Miari evocan sentimientos de resistencia y solidaridad con el pueblo palestino”.

¿Quién es Mona Miari?

Mona Miari (32) nació en Chicago, pero lleva a Palestina en la sangre y en el corazón, pues su madre y padre nacieron en las ciudades de Akka y Al-Birwa -una villa destruida durante la ocupación de 1948-, cercanas al puerto de Haifa, en la costa norte de Israel. Como cantante, participó en la edición 2009 del festival Jesuralem: Capital of the Arabic Culture, cuando apenas tenía 15 años. Miari es además doctora en leyes por la Universidad de Tel-Aviv.

Identificada desde muy pequeña con sus raíces, Mona Miari comenzó a apoyar distintas actividades en defensa de sus compatriotas, como estudiante y como artista. De inmediato comenzó a sentir que sus canciones eran, de una u otra forma, puestas de lado. Por ello, decidió reubicarse en los Estados Unidos, primero en Los Angeles y luego en New York, donde tomó contacto con la comunidad palestina, convirtiéndose en una de sus principales voces.

No pasó mucho tiempo antes de que la censura apareciera también, como una ironía de mal gusto, en la “tierra de la libertad”. Varios conciertos cancelados, entre ellos uno en el prestigioso Museo de la Sociedad del Asia, fundada en 1956 por John D. Rockefeller, la enfrentaron a “una nueva forma de discriminación”. Los encargados del museo le indicaron, cinco días antes del concierto, “que no podían permitirlo porque, al ser palestina, no tenemos control sobre lo que diga en el escenario”.

En Comfortably numb re-imagined, Mona Miari no solo canta de forma exuberante y sensible sino que además dirige al coro e incluye su composición Hind’s lullaby, dedicada a Hind Rajab, la adorable niña palestina de cinco años asesinada a mansalva junto a su familia por la soldadesca israelí en enero del 2024. La cantautora se alista para lanzar este año su álbum debut de manera independiente, con la participación de músicos de primer nivel.

El video de Comfortably numb re-imagined

A través de un conmovedor video en blanco y negro dirigido por el británico David Barron y el palestino Suhail Nassar, podemos ver imágenes de pueblos devastados, inmensas e interminables diásporas, niñas y niños huérfanos que sonríen mientras juegan con casquillos de granadas usadas en calles destruidas, hombres y mujeres con las miradas desencajadas, que deciden tomarse un respiro y vivir -dialogar, leer, pensar- en medio de la desolación.

Es imposible, al entrar en contacto con esta realidad, negar la magnitud del desastre que, en estos precisos momentos, muchas personas están padeciendo en cada rincón de Gaza, salvo que se pertenezca al bando monstruoso de los Ben Gvir, los Smotrich y sus incondicionales en nuestra región, que prefieren dar la espalda a miles de desposeídos con tal de no perder sus nexos, privilegios y amistades con los poderosos.

El video de esta versión reimaginada de Comfortably numb se lanzó en simultáneo en los canales de YouTube de Waters, Miari y las instituciones involucradas en su difusión, el 17 de junio de este año. En tres meses, supera ya los dos millones de visualizaciones. Según datos oficiales, lo que se recaude de la venta del single y su monetización en redes va directo a la PCRF (Palestine Children’s Relief Fund), ONG existente desde 1991 que actualmente concentra todas sus actividades benéficas para llevar alimentos, ropa y medicinas a las zonas atacadas.

Una canción dedicada a Palestina

Si buscamos una traducción literal del título, la frase “comfortably numb” puede prestarse a varias interpretaciones. Sin embargo, en su contexto original describe el estado cómodamente adormecido del protagonista, ya sea por sus malestares o por las drogas que le inoculan para curarlo. Esta nueva versión dedicada a Palestina modifica de forma radical su sentido para sacudir al mundo que no quiere ver la barbarie desatada por los ejércitos sionistas en Gaza.

En el video aparecen los cantantes juntos en el estudio, intercalando sus líneas. Cuando Roger Waters lo hace en inglés, los subtítulos aparecen de derecha a izquierda en caligrafía árabe. Cuando es el turno de Mona Miari, ella canta versos en árabe escritos por ella, con subtítulos en inglés. De esa forma, todos podemos entender el sentimiento de angustia, la desesperación de las víctimas directas de la Nakba (“limpieza étnica”) que pretende aniquilarlos.

“Hola ¿hay alguien ahí dentro? Solo asiente si puedes oírme, ¿hay alguien en casa?” es la primera frase de Comfortably numb re-imagined, mientras vemos imágenes de la destrucción ocasionada por los bombardeos. La frase pertenece a la primera estrofa del tema, la única que usaron de la original escrita en 1979. Lo que sigue es Roger Waters hablándole al pueblo palestino desde el corazón, comprometiéndose a dar testimonio desde Occidente, rogando porque en un futuro no muy lejano las familias vuelvan a reunirse en paz a esas épocas “en que se adoraba y cuidaba a los árboles de olivo, antes de que los colonos robaran sus tierras”.

Comfortably numb en The wall

Comfortably numb pertenece a The wall, décimo primer y penúltimo álbum de la formación definitiva de Pink Floyd, lanzado en 1979, hace 47 años. En la versión en vinilo, cierra el lado A del segundo disco. Su preciosista y dramática melodía sirve para contarnos uno de los momentos más tensos de la saga de Pink, alter ego de Waters, antes de iniciar el tramo final de su azarosa historia cargada de traumas y un permanente desasosiego con la vida.

La alienación de Pink lo lleva al colapso y, tras un episodio de alucinaciones y remembranzas de su pasado, es hallado inconsciente en su habitación, poco antes de iniciar un concierto. En la primera parte, un doctor (Roger Waters) trata de reanimarlo. De hecho, durante la gira que hicieron entre febrero 1980 y junio 1981, Roger Waters canta usando una bata blanca. Tras ese contacto inicial, Pink (David Gilmour) describe su situación, una especie de letargo que arrastra desde su niñez combinado con su calamitoso estado actual.

Después regresa el doctor para inyectarle una droga que consigue sacarlo de ese marasmo cómodo en el que está, dejándolo listo para salir al escenario. En la película The wall (Alan Parker, 1980), la actuación de Bob Geldof y la simbología oscura permiten entender mejor el trance de transformación del antihéroe. Comfortably numb es una de las canciones más admiradas del grupo, especialmente por sus dos intensos solos de guitarra. En la mencionada gira, Gilmour aparecía tocándolos desde lo alto del muro de ladrillos blancos que cada noche volaba en pedazos ante los ojos del público. Según el guitarrista, esa fue la última vez que él y Roger lograron construir algo juntos de manera productiva.

Entre la luz y la oscuridad

Una de las cosas que hacen de Comfortably numb una de las canciones más hipnóticas y cautivadoras de Pink Floyd es que integra la oscuridad de Roger Waters y la luminosidad de David Gilmour en una yuxtaposición de exquisito resultado sonoro. El segmento del guitarrista nació como un demo que venía preparando para una producción solista que quedó encajonada. El productor Bob Ezrin animó a David a usarlo con la banda, decisión que todos agradeceremos eternamente. Los brillantes tonos mayores son la contraparte perfecta para la atmósfera sombría de la estrofa inicial, escrita por Roger.

A lo largo del tema escuchamos toda la parafernalia de efectos característicos en la banda: sobrecarga de ecos, capas múltiples de guitarras -acústicas, eléctricas, slides-, voces superpuestas. Pero también oímos finos arreglos para violines y metales, escritos por el norteamericano Michael Kamen (1943-2008) quien dirigió en esa ocasión a un conjunto de músicos de la orquesta filarmónica de New York. Esas sosegadas olas sinfónicas son rematadas en el último tramo con un poderoso solo detrás del cual resuena uno de los riffs más pesados de esta legendaria banda de rock progresivo de los años setenta.

En la grabación participaron Roger Waters (voz, bajo), David Gilmour (voz, guitarras), Richard Wright (teclados) y Nick Mason (batería). El músico de jazz Lee Ritenour colocó las guitarras acústicas que se escuchan al fondo. El single se lanzó en 1980, con Hey you como lado B.

Las otras versiones de Comfortably numb

Pink Floyd interpretó la canción en vivo 31 veces, en las ciudades de Los Angeles, New York (EE.UU.), Dortmund (Alemania) y Londres (Inglaterra), las únicas a las que llegó The Wall Tour. Andy Bown, miembro de otra legendaria banda de rock inglés, Status Quo, tocaba el bajo mientras Waters hacía del doctor. El último show de esa gira, cuya puesta en escena costó casi dos millones de dólares -uno de los presupuestos más altos de la historia del rock-, fue el 17 de junio de 1981 en el teatro Earls Court de la capital británica.

Desde el desbande de 1985 hasta hoy, tanto Roger Waters como David Gilmour incluyen la canción en sus repertorios. En los discos en vivo de Pink Floyd Delicate sound of thunder (1988) y Pulse (1995), Comfortably numb figura siempre casi al final, con Richard Wright, el bajista Guy Pratt y el tecladista Jon Carin creando una armonía vocal totalmente diferente al característico estilo susurrante, sarcástico y misterioso que grabó Waters en la versión original.

El 21 de julio de 1990, ocho meses después de la caída del Muro de Berlín, Roger Waters armó un elenco de estrellas para presentar The wall de principio a fin en la capital alemana, uno de los conciertos de rock con más significado cultural y sociopolítico del siglo XX. Para Comfortably numb, las partes de Gilmour fueron interpretadas por el irlandés Van Morrison y dos miembros de The Band, el canadiense Rick Danko y el norteamericano Levon Helm. En las guitarras estuvieron Snowy White y Rick Di Fionzo.

Fue la última canción que tocaron juntos

Pero quizás la versión en vivo más memorable sea la del 2 de julio del 2005, en que Waters y Gilmour hicieron a un lado sus diferencias para aparecer junto a Wright y Mason en Live 8, megaconcierto benéfico para llevar ayuda económica al tercer mundo. Aquella vez, el cuarteto se reunió después de 24 años para tocar cinco canciones: Speak to me, Breathe/Breathe (Reprise), Money, Wish you were here y, como apoteósico cierre, Comfortably numb.

Esa sería la última oportunidad para Pink Floyd, pues el fallecimiento de Richard Wright en el 2008 borró para siempre la posibilidad de una nueva reunión. Sin embargo, el 2011 Gilmour hizo una aparición sorpresiva en un concierto de Waters en el O2 de Londres, replicando la forma en que interpretaban la canción en The Wall Tour, con el guitarrista cantando y tocando sus icónicos solos desde arriba.

Cantantes como Don Henley (Eagles), Eddie Vedder (Pearl Jam) o David Bowie también la han cantado junto a Gilmour o Waters, en diferentes momentos. Ha habido covers desechables como el de Scissor Sisters o Miley Cyrus. Pero también de alto calibre, como el que grabó la banda de metal-rap Body Count, del conocido Ice-T, con el mismísimo David Gilmour en guitarra (álbum Merciless, 2024). O el supergrupo Sons Of Apollo -Mike Portnoy (voz, batería), Ron «Bumblefoot» Thal (guitarra), Billy Sheehan (bajo), Derek Sherinian (teclados) y Jeff Scott Soto (voz)- que hace una rendición espectacular del tema en su CD en vivo Live with the Plovdiv Psychotic Symphony (2019), grabado en un antiguo anfiteatro en Bulgaria.

Una canción urgente que todos debemos conocer

Parte de la letra escrita por Mona Miari para Comfortably numb re-imagined dice: “Sigue escribiendo… Cuéntales cómo el asedio nos arrebató el aliento de nuestras vidas, destruyó nuestros hogares. Algunos aun viven, pero muchos otros han muerto. La tierra espera, nuestro regreso es un derecho…” para finalmente unirse al legendario rockero en una frase que resume la intención de esta nueva versión: nunca estaremos cómodamente adormecidos (I will never become comfortably numb). Al final del video, una dulce niña palestina pregunta si el sol volverá a salir alguna vez en su tierra. Todos nos preguntamos eso.

[OPINIÓN] El pedido de facultades legislativas presentado por el Poder Ejecutivo al Congreso merece ser discutido con responsabilidad y sentido de realidad. Nadie puede negar que el Perú enfrenta urgencias que requieren respuestas rápidas, particularmente frente al avance de la delincuencia y la amenaza del Fenómeno El Niño. Sin embargo, el proyecto presentado por el Gobierno solicita facultades durante 120 días y comprende nada menos que 66 puntos, distribuidos en materias de lo más diversas que van mucho más allá de aquellas emergencias.

El problema no es solamente la cantidad, sino la dispersión del pedido y el grado de generalidad con que están formuladas algunas de las facultades solicitadas. Por ejemplo, cuando se propone “reformar, simplificar y optimizar” los regímenes tributarios y las obligaciones formales de las empresas, cabe preguntarse qué se quiere cambiar exactamente, en qué sentido y con qué límites. Una delegación legislativa no debería obligar al Congreso a adivinar qué pretende hacer el Ejecutivo. Al respecto, el artículo 104 de la Constitución exige que la facultad sea otorgada sobre materias específicas, y esa especificidad debe permitir conocer razonablemente cuál será el contenido de la legislación que se pretende aprobar.

Por eso, considero que debemos evitar dos posiciones que resultan igualmente equivocadas: negar al Ejecutivo toda posibilidad de legislar con rapidez o, al contrario, entregarle una autorización excesivamente amplia. Las facultades legislativas son una herramienta constitucional válida, pero, debido a que permiten que el Ejecutivo legisle temporalmente sobre materias que corresponden al Congreso, deben ser excepcionales, precisas y muy bien delimitadas.

En ese sentido, me parece razonable reformular y acotar el pedido de facultades a las cuestiones que hoy demandan una respuesta urgente y sobre las cuales existe un amplio consenso nacional: seguridad ciudadana, gestión de riesgos de desastres y atención frente al Fenómeno El Niño. En estos ámbitos sí resulta posible identificar problemas concretos que requieren decisiones oportunas y, al mismo tiempo, establecer límites claros para la actuación del Ejecutivo.

El Perú necesita que sus instituciones funcionen y que sus poderes del Estado colaboren entre sí, no que compitan y se enfrenten permanentemente. El Ejecutivo tiene la obligación de gobernar y responder ante las urgencias nacionales: el Congreso tiene el deber de legislar, representar y fiscalizar. No hay razón para que estas responsabilidades sean incompatibles. Debemos otorgar facultades pero hacerlo de manera precisa y acotada para responder a las necesidades más urgentes y dramáticas que hoy afectan a los peruanos, principalmente a los más vulnerables.

Imagen: Ica, durante el fenómeno El Niño de 1998. (Foto GEC Archivo Histórico)

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[Música Maestro] “No quiero a la gente todita de negro, prefiero de rojo vestir a mis suegros y quiero en la tumba, pollito y arroz, patitas de cabra, con todo y melón…” cantaba “El Negro” Rada en Muriendo de plena (Quién va a cantar, 2000), una canción alegre con la cual el uruguayo, fallecido la semana pasada, se presentó ante la nueva generación para pedirle que no lo despidan de este mundo con tristeza. Distrajo a la muerte con un creativo juego de palabras, cambiando “pena” por “plena” -ritmo portorriqueño-, con esa gracia única que lo hizo tan querido en la escena latina alternativa.

Y la gente del Uruguay, su gente, le hizo caso. La canción se escuchó y, sobre todo, se bailó, en una de las principales arterias de Montevideo, la calle Isla de Flores, apenas se conoció la noticia de su partida física, el 26 de agosto de este año, a los 83. La emblemática avenida cruza los barrios de Palermo y Sur, la zona donde “El Negro” nació y creció entre tambores y pasacalles carnavalescos, típicos eventos populares donde se baila y canta el candombe, el más grande aporte de la amplia comunidad afrodescendiente de la República Oriental del Uruguay, como solían presentarla los narradores deportivos en los ochenta.

El multifacético y genial Leo Maslíah (72), entrañable y huraño, uruguayo de raíces turcas, despidió a Rada con sentidas palabras de aprecio y nostalgia en el semanario cultural Brecha, donde fue columnista casi una década. Maslíah trabajó con “El Negro” en su etapa radial y en recitales, como ese par de noches de 1983 en el Teatro de Verano de Montevideo, en que compartieron escenario con otro grande de la música rioplatense, Jaime Roos (72), quien dijo que con la muerte de Rada “se fue un pedazo del cielo de Uruguay”.

También lo hicieron personajes más conocidos, desde sus compatriotas Jorge Drexler y Natalia Oreiro, quien publicó una estrofa de Botija de mi país, que Rada compuso y grabó con Eduardo Mateo en 1987; hasta grandes rockeros de Argentina, país donde hizo historia con su música. También su célebre tocayo, el salsero panameño Rubén Blades, quien lo describió como “poseedor de una exuberante personalidad, sentido del humor y eterna curiosidad”.

¿Por qué es tan importante “El Negro” Rada?

Rubén Rada es un nombre que el gran público oyente de éxitos masivos no podría relacionar con absolutamente nada. Ni con el fútbol, ni con la música, ni con Uruguay. Sin embargo, las gigantes minorías de melómanos que hoy somos visibles gracias a la internet y las redes sociales sí entendimos de inmediato que su muerte sería otra de esas noticias que, por su impacto sociocultural, terminaría viralizándose en pocos minutos.

Porque Rubén Rada, “El Negro”, es tan importante para Uruguay como Charly García para Argentina. Tanto así que el presidente, Yamandú Orsi, decretó duelo nacional, bandera a media asta en todas las instituciones públicas y dispuso que el Estado asumiera los gastos del sepelio. El velatorio estuvo abierto al público y fue en el Salón de los Pasos Perdidos del Congreso, en Montevideo, donde llegaron miles de uruguayos a ofrecer sus respetos a la familia: su última esposa, la argentina Patricia Jodara, y sus tres hijos, Matías, Lucila y Julieta, todos músicos.

En estos días, como parte de los diversos homenajes que se vienen programando para recordar al autor de canciones como Ayer te vi, Heloísa o Flecha verde, se anunció también el reestreno de Rada, la película (Luis Ara, 2024), que recorre su vida, en el que participan varios de sus amigos y admiradores como Fito Páez, León Gieco, Los Auténticos Decadentes, entre otros, reunidos para celebrar su cumpleaños 80 con dos shows en el teatro SODRE de Montevideo.

“Tocá ché negro Rada…”

La primera vez que lo escuché fue en los noventa, viendo la película Buenos Aires Rock (1983) que resume la cuarta y última edición del festival de rock argentino organizado por el productor y periodista Daniel Ripoll, editor de la legendaria revista Pelo, tras la dictadura militar. Los tres anteriores se habían llevado a cabo a inicios de los setenta y fueron vitrina para futuras leyendas del pop-rock gaucho, como registró el documental Rock hasta que se ponga el sol (1973), con apariciones estelares de Pescado Rabioso, Sui Generis, Billy Bond, entre otros.

Con un sonido fuertemente influenciado por Santana y el jazz-fusión, Rada y su impecable banda -Ricardo Lew (guitarra), Ricardo Nolé (teclados), Luis Alberto “Beto” Satragni (bajo) y Osvaldo Fattoruso (batería)- interpretan uno de sus himnos, Blumana (LP En familia, 1982). En un cartel que incluía a pesos pesados como Luis Alberto Spinetta, Los Abuelos de la Nada, Riff, V8, Piero, entre otros, la onda de rock latino de “El Negro” me causó una poderosa impresión.

Sin embargo, siempre fue difícil conseguir sus discos. A través de fuentes impresas logré entender la importancia que tenía en el contexto de la música latina en general, y uruguaya en particular. Considerado uno de los creadores del “candombe beat” en los sesenta e integrante de bandas legendarias del pop-rock y el jazz de Uruguay, construyó una discografía muy extensa y un recorrido personal a través de los cambios del espectro sonoro latinoamericano, convirtiéndose en icono cultural de su país. Lejos de sus fronteras era un artista de culto.

Música para combatir el racismo

“Hoy me encanta que me digan “El Negro”, dijo alguna vez este músico que dedicó su capacidad creativa para reivindicar a las poblaciones afrolatinoamericanas. Este orgullo racial nació, seguramente, por anécdotas como aquella en la que un productor muy encopetado, de quien hoy nadie recuerda ni el nombre, le impidió a mediados de los sesenta salir de gira como baterista de Los Shakers -legendaria banda de pop-rock psicodélico de los hermanos Fattoruso- porque “no se parecía ni a Ringo ni a George…”

Sus orígenes fueron extremadamente humildes. Desde pequeño participó en los populares “desfiles de llamadas”, comparsas callejeras que las poblaciones afrodescendientes de Uruguay realizaban literalmente en cualquier momento desde épocas coloniales, pero que hoy es la principal actividad de febrero, durante los carnavales y abierta a todo tipo de personas como atractivo turístico. Además de toda la parafernalia habitual en cualquier manifestación carnavalesca -personajes emblemáticos, carros alegóricos, escuelas de danza, disfraces, afanes transgresores- destaca el uso de cuadrillas de tambores repiqueteando al ritmo del candombe, la música folklórica uruguaya por excelencia.

Esa niñez y adolescencia forjadas en el ojo del huracán candombero se sumó a su facilidad para aprender canciones de oído y reproducirlas con una voz muy versátil. De joven, Rada alternó con algunos de los personajes más destacados de este particular ritmo del Río de la Plata, hasta que cruzó sus caminos con el cantautor y guitarrista Eduardo Mateo (1940-1990) y el bajista/cantante Urbano Moraes, la base de El Kinto, conjunto que articuló lo que después comenzó a anunciarse como candombe beat, modernización del tradicional ritmo uruguayo con sonidos psicodélicos. Aunque al principio fueron rechazados por los puristas, nadie pudo negar su naturaleza innovadora y revolucionaria.

De las calles a los estudios

La experiencia con El Kinto, plasmada en los álbumes Musicasión 4^1/2 (1971), Circa 1968 (1977) -y en el CD El Kinto Clásico (1998) que recopiló todas sus grabaciones-, tuvo un salto evolutivo hacia sonoridades más experimentales con Totem -acrónimo de “todos tenemos música”, reforzando la nueva identidad del candombe que les servía de base conceptual y sonora. Canciones como Dedos o Negro suenan psicodélicas y rítmicas, con fuerte presencia de las tumbadoras que acompañaron siempre el sonido de Rada.

Junto a Eduardo Useta, Enrique Rey (guitarras), Mario “Chichito” Cabral (percusión), Roberto Galletti (batería) y Daniel “Lobito” Lagard (bajo), Rubén Rada confirmó su ascendencia sobre esta nueva generación de compositores uruguayos con ideas frescas e innovadoras. Sin embargo, el poco impacto comercial de sus producciones independientes lo llevó a abandonar esa búsqueda artística por un tiempo, para tener cómo pagar las cuentas.

En 1968-1969, Rubén Rada trabajó en nuestro país. Alberto “Mike” Dogliotti (1939-2007), pianista y director de orquestas, lo llamó para ser percusionista de su agrupación, contratada para tocar en el Hotel Crillón de Lima. Sin embargo, no existen registros de ese breve paso por el Perú. En diversas páginas web mencionan que Dogliotti llegó a editar un disco de música instrumental con el sello peruano MAG, bajo el nombre de “Mickey Dogliotti”. Una vez finalizado aquel compromiso laboral, Rada regresó a su país para retomar su carrera musical.

Sus primeros trabajos como solista –Radeces (1975) y Rubén Rada y Conjunto S.O.S. (1976)- incluyen algunos temas que había editado previamente en su debut solista Rada (1969) y ayudaron a construir las bases de su futuro perfil como intérprete. Al poco tiempo, se unió a Opa, que los hermanos Osvaldo y Hugo Fattoruso (batería y piano) habían armado en los Estados Unidos junto al bajista Ringo Thielmann para hacer jazz-fusión. En distintos momentos, fueron también integrantes de este respetado conjunto tres celebridades del jazz brasileño: el tecladista Hermeto “Brujo” Pascoal, el percusionista Airto Moreira -Miles Davis, Return To Forever- y su esposa, la cantante Flor Purim.

Rada y su relación con Argentina

Desde 1980 decidió instalarse en Argentina y ese mismo año formó La Banda con cinco destacados instrumentistas de jazz local -Jorge Navarro (teclados), Bernardo Baraj, Benny Izaguirre (vientos), Ricardo Sanz (bajo) y Luis Ceravolo (batería)- para lanzar un único álbum epónimo, con la colaboración de los guitarristas Daniel Homer y David Lebón.

La carátula del LP está inspirada en la del clásico de Paul McCartney, Band on the run (1973), y contiene nuevas versiones de Malísimo, Muy lejos te vas y Montevideo, además de estrenos como Candombe llamada o Rock de la calle. Ese mismo año participó como percusionista en el LP 20/10, primer disco en solitario de Nito Mestre -tras su aventura con Los Desconocidos de Siempre-, en cuya contracarátula se le puede ver al lado de una constelación de los mejores rockeros argentinos de ese momento.

La influencia de esta movida uruguaya se había comenzado a permear en años previos en el rock argentino, siendo el ejemplo más notorio el tema Hipercandombe, composición de Charly García para su combo progresivo La Máquina de Hacer Pájaros (LP Películas, 1977). Como puede apreciarse en el episodio dedicado a Rubén Rada en la segunda temporada de Encuentro en el Estudio -la fantástica serie del Canal Encuentro (2009 y 2017)-, “El Negro” se pasea por los históricos Estudios ION como si fuera su casa y todos lo reconocen y admiran.

En las épocas de La Banda comenzó a acumular seguidores famosos, como el cantautor León Gieco, a quien telonearon en más de una ocasión; el bajista Javier Malosetti -con cuyo trío de jazz editó un muy agradable álbum en vivo, Varsovia (2007)-, Litto Nebbia, Pedro Aznar, “El Flaco” Spinetta, Gustavo Santaolalla y Fito Páez, solo por mencionar a unos cuantos. Durante los ochenta produjo seis importantes álbumes en estudio –La Rada (1981), En familia (1982), Adar Nebur (1984), La yapla mata (1985), Siete vidas (1987) y Pa’los uruguayos (1989)- que cimentaron su posición en la escena rioplatense. En esta presentación, en el canal estatal ATC, puso a bailar al público en casi dos horas de concierto. Un lujo propio de esa década.

Sin embargo, su disco en vivo La cosa se pone negra (1983) captó mejor el brillo instrumental y la catarsis de crítica urbana poderosa y divertida de su música. La combinación de candombe, jazz, rock, funk y bossa nova se redondea en el último tema, un cover de Maria Maria, composición de Milton Nascimento -popularizada ese mismo año por Mercedes Sosa- que termina convirtiéndose en un popurrí con pasajes de otros dos clásicos del cantautor brasileño, Paula e Bebeto y Fé cega, faca amolada, conocida por la versión que hicieran Gal Costa, Maria Bethania, Gilberto Gil y Caetano Veloso en el álbum Doces barbaros (1976). “El Negro” cierra su concierto con Popotitos y una frase de Charly, del tema Seminare (Serú Girán, 1978), ante los rugidos del público.

Y a todo esto… el candombe ¿qué es?

Quienes algo saben de música latinoamericana pensarán de inmediato en la canción Candombe para José del quinteto chileno Illapu, incluida en su LP Despedida del pueblo (1975) y hasta hoy infaltable en sus repertorios, identificada también como “Candombe para el negro José”. Este tema, compuesto por el argentino Roberto Ternán y dedicado al “Negro José” un uruguayo que vivía bailando candombe, fue grabado originalmente por Los Tucu Tucu y sí, es un candombe, adaptado a las guitarras y voces roncas de estos folkloristas de Tucumán.

Sin embargo, ambas tienen menos que ver con la música de “El Negro” Rada de lo que sugiere su título. Cuando uno revisa su discografía, se encuentra con decenas de candombes –para Marley (Pa’los uruguayos, 1989), para Gardel (La yapla mata, 1985), para el África, para dos jugadores de su equipo, el Peñarol, el peruano Juan Joya y el ecuatoriano Alberto Spencer (Bailongo, 2007)-. El candombe primigenio fue enriquecido por Rada con toques de jazz, bossa nova y muchas otras cosas.

“El candombe no tiene nada que ver con pensar”, dijo en una entrevista. Y aclaró que está emparentado con el candomblé brasileño, aunque sin los componentes religiosos de este culto de Salvador de Bahía. El candombe es un ritmo absolutamente orgánico, intuitivo, callejero, como sus primas hermanas, la batucada y la murga. Su estructura rítmica llegó a Uruguay desde los tiempos del Virreinato del Río de la Plata (siglo XVIII), como la milonga y el tango, también de origen africano. Se toca con tres tipos de tambores: piano (grande), repique (mediano) y chico, las cuadrillas que pueden superar los treinta integrantes.

Entre los máximos exponentes del candombe -que el 2009 fue declarado por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad- en sus formas contemporáneas destacaron músicos como Jaime Roos y Pedro Ferreira. Y, por supuesto, Rubén Rada y Eduardo Mateo, cuya música llegó a nuestros oídos a través del argentino Pedro Aznar, quien hizo una versión de su clásico El tungue le, en su sexto álbum como solista Cuerpo y alma (1998).

“¿Quién va a cantar la melodía del amor?”

Durante los años 90, “El Negro” Rada emigró a México, país donde trabajó con varios artistas reconocidos, entre ellos nuestra compatriota Tania Libertad. A mediados de esa década incursionó en la música para niños, haciéndose muy popular con el pelo pintado de rojo como Rubenrá, uno de sus alter ego. A esos años pertenecen dos de sus discos más aclamados, Montevideo (1996) y Montevideo dos (1999), junto a su amigo de siempre, el pianista Hugo Fattoruso, con quien había lanzado el interesante álbum Las aventuras de Fattoruso y Rada (1991). En Black (1998) incluye un candombe dedicado a San Martín de Porres, una ligazón más con nuestro país, a pesar de que nunca más regresó.

Y el 2000 publicó, con el apoyo de Horacio “Cachorro” López, ex bajista de Los Abuelos de la Nada, Miguel Mateos y exitoso productor, Quién va a cantar, CD que contiene temas como Cha-cha-muchacha, Muriendo de plena y el tema-título, cadenciosa bossa nova de mensaje universal y vigente que ha sido compartida infinidad de veces en estos días posteriores a su muerte, en una cálida versión en vivo.

Los álbumes en vivo Candombe jazz tour (2004) y Parte de la historia (2020) son buenas muestras de cómo sonaba Rada en el siglo XXI interpretando sus clásicos. Una de sus últimas producciones, titulada Candombe con la ayudita de mis amigos (2022), incluyó dúos con figuras destacadas como Pablo Milanés (El breve espacio en que no estás), Coti Sorokin (Nada fue un error), Fito Páez (11 y 6), entre otros. Una gran despedida discográfica para tan importante figura de la música sudamericana.