[CON ANTEOJOS] Redención es la última película del director arequipeño Miguel Barreda. Cinta en donde nos cuenta la historia de una pareja que desea convertirse en padres y la necesidad, por otro lado, de una joven por ocultar un embarazo, que es producto de una violacion.
El rol protagónico lo tiene la talentosa actriz Tatiana Astengo. Conversamos con ella y con el cineasta Miguel Barreda.
[EN EL PUNTO DE LA MIRA] Acabo de terminar de leer La política va al cine (Universidad del Pacífico, 2015), de Manuel Alcántara y Santiago Mariani. Una recomendable compilación que reúne textos de un grupo de politólogos de ocho países que, desde la mirada del cine, ponen de relevancia a la política como un aspecto importante del ser humano.
Desde el estudio de películas y de sus directores, los autores abordan diversas temáticas de la ciencia política; como el entramado complejo que representa el poder y su relación con lo transgresor y sumiso del ser humano. Por solo mostrar un ejemplo, tenemos el texto del español Manuel Alcántara sobre la “complejidad, subjetividad y poder en Kubrick”. En dicho ensayo, el profesor Alcántara analiza la trayectoria del judío neoyorquino, dando a conocer su formación y la capacidad de este de desenmarañar las diversas tramas de sometimiento (político, tecnológico y de convivencia) a la que está expuesto el ser humano.
Asimismo, hace un estudio minucioso sobre las películas de este director: Senderos de Gloria, Spartacus, Lolita, La naranja mecánica, 2001: Una odisea en el espacio, Resplandor, entre otras. En ellas estudia el poder y la violencia, el poder y la confianza, y el poder y la subjetividad. El despliegue de estas relaciones complejas e interconectadas manifiestan ese carácter poliédrico del poder. Representa también el sino en el que está envuelto el ser humano, no solamente en el aspecto racional de la política. Alcántara nos demuestra que Kubrick apela a las emociones para interpelar el carácter mismo de los protagonistas y de los que aprecian la película.
El cineasta Bergman decía que “ningún arte traspasa nuestra conciencia de la misma forma que lo hace el cine, tocando directamente nuestras emociones, profundizando en los oscuros habitáculos de nuestras almas”. Así es.
La cultura es gasto, pérdida de tiempo, distracción del metal. Acabemos con la cultura. Porque crea ciudadanos críticos. Porque afina sensibilidades. Porque promueve la discusión y ataca a la pasividad ciudadana que buscan algunos desde sus encumbradas sillas.
Total, si no se invierte en cultura, habría más plata que pasar por el tamiz de la corrupción. No me vengan a decir, pues, que el Estado preocupado por sus arcas quiere retacearle unas monedas al cine para calmar el hambre, la desnutrición o las infernales desigualdades que marcan la vida nacional.
La inteligencia es el enemigo. Por eso hoy se educa mayormente para el trabajo y no para la formación humana: hacer es mejor que pensar, que es un pasatiempo de caviares, académicos resentidos y otras especies incómodas al autoritarismo y la pacatería de muchos de quienes conducen el país.
Un reciente proyecto de la congresista Tudela ha puesto en evidencia el poco o nulo interés que existe por la cultura desde esa parte de la esfera pública en que se deciden cosas. Se pretende dejar sin piso a un naciente cine regional que ha dado muestras de su potencia.
El estímulo eterno, sin fecha de caducidad, no es buena idea, de acuerdo. Pero no puedes matar a la criatura antes de que aprenda a correr sola. El circuito de exhibición limeño practica como deporte ignorar la producción regional, aunque de vez en cuando se lava la cara y pone en pantalla alguna película que, como Willaq Pirqa, remontó la valla del desprecio y ganó el favor de un público enorme.
Por otra parte, IRTP, que depende del Ministerio de Cultura, viene dando señales alarmantes. Es un medio a la deriva, a merced de decisiones erráticas y arbitrarias, como cerrar programas con una tradición consolidada y reducirlos a microespacios dentro de otros, como ha ocurrido con El placer de los ojos, un magazine dedicado, precisamente, al cine. Sumar a esto la confusión reinante en relación con la función de TV Perú: televisión ciudadana no es el remedo de televisión comercial que quieren ser.
El próximo mes vencerá la exoneración del IGV al libro, algo que debería tener una prórroga natural y mas extensa, habida cuenta de los míseros índices de lectura que hay en el país y, sobre todo, esas estadísticas que revelan un espantoso porcentaje de maestros que tienen problemas de comprensión lectora. No faltará el talibán que desde su curul proclame que el libro es inservible.
Este año no contaremos con la feria La Independiente. Un duro golpe a editores pequeños y medianos de diversas partes del país, que tienen en esta feria una oportunidad para mostrar sus catálogos y poner a la venta libros que, en su mayoría, no existen para las librerías limeñas. El Ministerio de Cultura ha cometido gruesos fallos que han conducido a la suspensión del evento.
¿Qué más podría pasar en un país en el que la universidad más antigua intentó sacudirse de su propio centro cultural e incluso de la librería que se ha formado en convenio con una entidad mexicana? ¿Qué más puede pasar en un país en el que el Museo Nacional es un elefante blanco? ¿Qué más, en un país en el que las instituciones solo muestran diariamente su indiferencia por la cultura? Siempre hay más. Esa es nuestra condena.
“Los aficionados persiguen el sol y se queman. El poder permanece en las sombras”.
Lewis Strauss.
[CON ANTEOJOS] Este es uno de los largometrajes más esperados del 2023, Oppenheimer en cifras ha superado los $500,000 de recaudación y se ha convertido en la película bélica más taquillera de la historia del cine. No solo la historia del proyecto Manhattan ha resultado muy atractiva, sino que Nolan logra capturar al espectador en un largometraje de 3 horas, que no permite el aburrimiento, parte de ello, por su narrativa coherente y efectiva.
La cinta transcurre desde sus años de estudiante en Cambridge hasta el ocaso de su vida. Está focalizada en todos los entretelones de la construcción de la bomba que en 1945 arrasó con las ciudades japonesas de Hiroshima y Nagasaki, dejando más de 200,000 muertos.
Además de acercarnos al personaje de Oppenheimer, encontramos también a otros como Albert Einstein (teoría de la relatividad), Lewis Strauss (Presidente de la Comisión de Energía Atómica de los Estados Unidos), el general Leslie Groves (responsable militar del proyecto Manhattan) Harry S.Truman (Presidente de los Estados Unidos) y muchos científicos más. A pesar del evidente poder patriarcal de la época, destacan dos personajes femeninos, que, pese a que son los intereses sentimentales de Oppenheimer, definirán las decisiones del protagonista, personajes poderosamente complejos, Jean Tatlock (periodista, escritora, médica y militante del Partido Comunista de Estados Unidos) y Katherine Oppenheimer (bióloga, botánica alemana, militante del Partido Comunista de Estados Unidos).
Como es habitual en el cine de Nolan, la complejidad de su mente se proyecta en pantalla, esta vez canaliza la gran cantidad de información a través de diálogos que van permitiendo hilar el mundo de intrigas alrededor de la construcción de la bomba atómica, dejando ver finalmente, que la existencia de la misma depende más de los intereses y poderes políticos, que de los propios científicos.
El film puede tener dos lecturas, por un lado una pequeña subjetividad, genera en adelante toda una persecución y castigo sobre la figura del físico americano debido al resentimiento que causó la indiferencia de Einstein frente a Strauss, este último interpretado por un magistral Robert Downey Jr. Por otro lado, la manipulación de quien debe arrepentirse la vida entera, por haber tenido acercamientos con el Partido Comunista y como consecuencia de ello, involucrarse en la responsabilidad de haber iniciado la era nuclear.
A ciencia cierta, nadie sabe con exactitud que existe en la mente de Oppenheimer, pero la cinta navega en sus obsesiones, sus idas y venidas en cuanto a ideas y amores. Situaciones resueltas cinematográficamente con un sin fin de planos cerrados que siempre nos acercan sin llegar a develar demasiado. La mirada insondable del protagonista es un misterio que atrapa desde el inicio.
Al actor irlandés Cillian Murphy lo conocemos por Batman, El Origen y Dunkerque del mismo director que hoy le da su primer protagónico en pantalla grande. Sin embargo, la crítica lo aplaudió por su trabajo en Peaky Blinders, exitosa serie inglesa en donde interpreta al mafioso Tommy Shelby. Murphy ya no es solo el actor fetiche de Nolan, es el actor que celebra el mundo entero.
Así como complejas son las intrigas políticas en este film, amplio es también su reparto. Por un lado tenemos más de 50 personajes. Entre los que destacan la aparición de Gary Oldman como el presidente Harry S.Truman, Matt Damon como el general Leslie Groves. Kenneth Branagh como Niels Bohr, entre muchos más. Ni un personaje es simple, ni su aparición está demás. Emily Blunt como Katherine Oppenheimer se luce en un personaje que oscila entre la insatisfacción de su vida, la valentía con la que enfrenta los conflictos y su adicción al alcohol. Dimensiones presentadas en paralelo con las angustias del protagonista. Un contrapunto eficaz que destierra la idea de la mujer como adorno o simple complemento.
También está Florence Pugh en incisivo personaje, como Jean Tatlock, no ajena a las contradicciones, pero sobre todo de gran impacto narrativo y emocional. El resultado del trabajo de ambas actrices merece todo el reconocimiento.
El cine de Nolan no sería lo que es, sin la edición de sonido y banda sonora que lo acompaña. En este caso el responsable nuevamente es Ludwig Goransson, el mismo que armó las piezas en Tenet (2020) y que resaltó por su trabajo en la serie Mandalorian. Con este film, no sólo remarca los momentos de tensión, sino que nos hace participar de las emociones más intensas.
Oppenheimer es un film de contrastes, no solo por la iluminación de sombras y colores intensos, sino porque transita en la culpa, desprestigio y redención de un personaje al que acompañamos por 3 horas sin descansar, creyendo entender su psiquis, pensando que el dolor que lo domina, es por ser responsable del los horrores de la guerra, cuando en realidad el poder y la decisión de todo eso, como dijo Strauss, se esconde tras las sombras.
TRES
Así que me pusieron un rifle en la mano
Me envió a una tierra extranjera
Para ir y matar al hombre amarillo
Nacido en USA.
Nacido en USA.
Vuelve a casa a la refinería
El contratante dice Hijo, si fuera por mí
Born in the USA – Bruce Springsteen
Si pues, puede ser una Oda al Capitalismo. Es cierto. Recordar que en ese tiempo Nike era una empresa pequeña sin mayor relevancia, muy por debajo de Adidas o Puma. El acuerdo, cambio totalmente la forma en que los deportistas negociaban con las empresas. Produciendo una eclosión nunca vista.
Por ende, el Sueño Americano es mostrado como tal. Sin embargo, Social Network de Fincher o The Founder de Hancock, enfatizaban en las costuras raídas y torcidas del referido sueño. Acá, el personaje de Strasser, menciona su fervor por el tema-himno de Springsteen.
Y enfatiza en su cinismo.
Es el lado oscuro del American Dream, indudablemente.
Las sabias palabras del CEO cierran la película.
Tenía razón.
En el momento de su estreno, pocas criticas fueron positivas, como la de Bridget Byrne, que calificó el film de «brillante, audaz y grotesco». Desde entonces la película ha sido revalorizada por los críticos como la obra maestra que es. El historiador de cine Tim Lucas describe a “Los demonios” como «no sólo una denuncia de conspiraciones del siglo XVII, sino una denuncia de agendas políticas que nos han acompañado a lo largo de la historia humana. Cuando el gobierno es más inmoral, la historia muestra que tiende a aliarse con la Iglesia y a desviar la atención pública de su propia corrupción satanizando chivos expiatorios convenientes — artistas, filósofos, progresistas… en una palabra, liberales».
Por otra parte, el experto en cine Thomas Atkins afirma que, aunque “Los demonios” contiene referencias evidentes a la religión y la influencia de la política, la película se ocupa más «del sexo y las aberraciones sexuales». Su opinión es que la película está interesada más que nada en la represión sexual y sus efectos acumulativos en la psique humana. Al referirse al personaje de Sor Jeanne, Atkins escribe: «Hay un número incalculable de ejemplos de visualizaciones atormentadas que involucran a la Madre Superiora… ¿Qué metáfora visual más impactante para la asfixia psicológica de la Madre Superiora que meter su cuerpo deformado en un pequeño espacio desde donde mira a su amante imaginario? La mera confinación de la masa corporal en un espacio congestionado genera una comprensión de los placeres aniquiladores de su deseo sexual». Atkins compara las secuencias de fantasía erótica de Sor Jeanne con «erotismo de una conciencia trastornada». El cineasta Alex Cox está de acuerdo con este punto, afirmando que “Los demonios” «podría haber sido un relato tedioso de derechos humanos versus intolerancia», pero en cambio se convirtió en «mucho más: una historia intensa, a veces surrealista, a veces horriblemente realista, de obsesión y represión sexual».
Se le atribuye a “Los demonios” haber iniciado el subgénero del nunsploitation en el cine europeo, películas de bajo presupuesto y calidad casposa cuyas historias se desarrollan en conventos de monjas e incluyen elementos de erotismo y crueldad sádica. Y aunque muchas de estas películas caen en el sensacionalismo, lo cierto es que muchas de sus tramas no se alejan tanto de la realidad, de ese lado oscuro de la Iglesia católica que poco a poco está saliendo a la luz.
Lo que es indudable es que, como dice el historiador del cine Joel W. Finler, “Los demonios” es «el logro cinematográfico más brillante de Russell, pero ampliamente considerado como su trabajo más desagradable y ofensivo».
TRES
La matanza de Corpus Christi sucedió un 10 de junio del 71 en la ciudad de México. Una manifestación estudiantil en favor de los estudiantes de Monterrey que estaban pidiendo reformas educativas. La misma fue reprimida brutalmente por “Los Halcones” un grupo paramilitar al servicio del estado. Cuarón, de forma extraordinaria, muestra dicha matanza desde un segundo piso; mientras la abuela y Cleo van a comprar una cuna para la criatura próxima a nacer. La forma en que mueve la cámara evoca al maestro de suspenso.
El fotograma siguiente muestra una réplica de “La Piedad” de Miguel Ángel, una mujer llora mientras sostiene la cabeza de un hombre muerto y grita por ayuda, tal como lo indica el NYT.
Lo que sucede a continuación es simplemente una muestra desgarradora y brutal, de cómo las cosas se pueden precipitar y tener un final infausto. Uno asiste a la escena, porque el director acomoda a los actores en el fotograma y no al contrario. Es cine arte en su más pura concepción.
La actuación de Yalitza Aparicio es minimalista y a la vez conmovedora.
CUATRO
En el viaje a la playa de Tuxpan (Veracruz) Cuarón evoca “Y tu mamá también”, cuando Sofía les revela, luego de cenar, la verdad a sus hijos y los planes para el futuro. Más tarde, ellos, tristes y desconectados de lo que sucede alrededor, comen sus helados.
La escena de la playa está cuidadosamente filmada con mucho cuidado. Al final de la misma asistimos a la íntima confesión de Yalitza y su redención final con toda la (su) familia abrazándola y cobijándola.
Las actuaciones son sobresalientes, la de Marina de Tavira y su química con Aparicio es indiscutible. Ambas se identifican: son mujeres abandonadas. Adela, la otra empleada, se comunica generalmente en lengua mixteca, con la protagonista dándole un mayor realce a la peli. Se complementan perfectamente (en la vida real son amigas). Ambas no eran actrices profesionales y dieron con el papel en su punto exacto.
Y sí, Alfonso es uno de los más grandes directores del siglo XXI, junto a Iñárritu y Guillermo del Toro. Los 3 mexicanos y nacidos en los años sesenta. Alcanzaron la estatura de los grandes clásicos del siglo pasado.
